Richard Avedon

Nueva York, 15 de mayo de 1923- Texas, 1 de Octubre 2004

Este fotógrafo estadounidense comenzó su carrera a la temprana edad de 10 años. Posteriormente estudiaría fotografía en la New School of Social Research.

El trabajo de Avedon se enfoca en retrar a las personas y con esto, capturar su verdadera esencia en fotografía. Es la personalidad de los distitnos personajes retratados la que nos habla en su fotografía, y es ahí donde reincide su verdadero talento como fotógrafo.

Primero trabajaría como fotógrafo de guerra. Después conseguiria entrar en el glamour y trabajar para numerosas revistas de modas y empresas magnanimas como Vougue, Harper's Bazaar , The New Yorker, entre otras.

Es un fotógrafo purista que resulta ser atemporal. Las imagenes que vemos pudiésemos encontrarlas en una revista de modas actual, sin embargo, son fotografias que datan desde los 60's, un genio con un ojo sensible.

Es importante destacar que, a pesar de haber retratado a muchas celebridades del medio del espectáculo, también tiene retratos de personas con trabajos comunes, y logra de la misma manera, capturar su esencia.

Hiroshi Sugimoto

Fotógrafo nacido en Tokyo en 1948, en 1970 se graduó de la Saint Paul´s University en Tokyo y en 1974 se gradua en la Art Center College of Desing en Los Angeles. Este fotógrafo Japonés está inducido en el arte conceptual y minimalista.

Él maneja un concepto muy interesante y muy distinto a lo que se habia visto en la fotografía. Para él la definición de foto tradicional es capturar el momento; Sugimoto se aleja de este concepto para formular el suyo propio y elevarlo a un nivel más espiritual y filosófico: él no retrata un momento, él busca no solo lo que el ojo ve, busca el conjunto de las cosas, su totalidad.

Su porpósito es captar la escencia de las cosas, capturarla no solo para ser vista, sino para ser analizada e interpretada con base en todas sus partes. No nos muestra un fragmento de la realidad, nos presenta un concepto absoluto.

Su técnica está basada en disparos muy largos; de esta manera pretende capturar la totalidad del objeto. Por ejemplo, si observamos la foto siguiente, el teatro con la pantalla de proyección en blanco, pudieramos preguntarnos, ¿porqué está eso ahí?, ¿qué quiere decir?, es tan solo una pantalla en blanco. Sin mebargo, la justificación detrás de esta foto, es que Sugimoto dejó abierto el obturador durante toda la proyección de una película. Así que lo que logramos ver es la totalidad de las imagenes unidas de la película, que a fin de cuentas, acaba siendo una pantalla en blanco; Sugimoto nos invita a reflexionar, que la totalidad de la información presentada, es una pantalla en blanco.

Duane Michals

Nace en Mckeesport, Pensilvania EEUU en 1932. Con su particular estilo secuecial, Michals se convertiría en uno de los máximos exponentes de la fotografía conceptual; cargando a su obra no solo con las características surrealistas de dicho genero, sino también impregnándola de significaciones que son, en realidad, el foco central de su trabajo.

El norteamericano proviene de una familia humilde: su padre un obrero dedicado a trabajar el metal y su madre una sirvienta. Sería su abuela polaca la que se haría cargo de él. Estudió la licenciatura en Bellas Artes en la universidad de Denver; después inició un posgrado en la Escuela de Diseño Parsons como Diseñador Gráfico, sin embargo, abandonaría sus estudios antes de concluirlos.

Entrado ya gracias a sus estudios en el mundo de la estética de la imagen, Michals inicia su vida de fotógrafo de manera autodidacta. En 1958 realiza un viaje a Rusia donde pretende fotografiar  a las personas que encuentre a su paso; a partir de este hecho, Michals se dedica intenstamente a la foto. Revoluciona este arte introduciendo texto a sus fotografías.

Vuelve a Rusia  para realizar su primera exposición en la Underground Gallery de Nueva York, dodne presenta sus retratos obtenidos desde su viaje a Rusia.

En el 2001 en el festival "PhotoEspaña" fue reconocido con el galardón más importante; las influencias de Michals, como lo son Atget, Magritte, Borges y Truffaut, nos dice que no solo toma elementos de las artes plasticas y de fotografos, también se remonta al cine y a la literatura para darle el significado que pretende a cada una de sus obras. Claramente nos indica que para él la fotografía no se trata de la estética de la imagen, sino del significado de la idea que esta representa.

Él cuenta una historia a traves de su arte, nos envuelve en una realidad engañosa y reflexiva donde todo puede ser posible. Sin retratar más rostros, se adentra en la fotografía con escenarios previamente montados; así nos arranca de la realidad y de sus "momentos decisivos" para inducirnos a un mundo fantástico creado por él y por quien mira sus fotografías. Un artista que no pertenece a la espontaneidad, sino a la reflexión exhaustiva y a la formulación de una idea más compleja que un momento.

"La realidad no me interesa en absoluto. Prefiero vivir en un mundo irreal, me parece más estimulante. Nunca me ha interesado la calle, no creo que ahí afuera ocurra nada interesante. Al contrario que otros colegas, yo no me he paseado jamás con la cámara a cuestas para captar una instantánea. A mí, sobre todo, me interesan las emociones y los sueños. Lo que pasa en la calle actualmente es demasiado estúpido como para prestarle atención".

Duane Michals reune en un proyecto llamado "Album" los retratos más importantes que llegó a hacer y que hablan de la decada de los 60´s.

Michiko Kon

Esta fotógrafa nace en Kanagawa, Jápón en el año de 1955. Estudió fotografía en el Colegio de Tokio donde termina sus estudios en 1980. También estudió arte en la escuela de Arte de Sokei.

Ella no es fotógrafa purista, ella trabaja con la fotografía construida. Trabaja lo conceptual. Sus construcciones fotográficas son escenarios bastante sencillos. Un fondo negro y base negra transparente es suficiente para representar lo que pretende transmitir. Construye los objetos que son el foco de su imagen: objetos comunes en la realidad, sin embargo, vistso desde su perspectiva del mundo. Sombreros, tacones, zapatos, girasoles, camas entre otros construidos con escamas de pescado, sardinas, ojos de pescado...materiales marinos y vegetales. Cuerpos de animales muertos son su materia prima.

Ella vivía cerca de un mercado de pescados, esto es naturalmente una influencia en su trabajo. Además de ser fotógrafa, también es caricaturista y ha desarrollado varias revistas manga.

Su fotos son para perdurar, pero ella destruye sus craciones después de haber sido capturadas por la camara pues "Solo existe para ser fotografíada". Su trabajo genera tensión e incertidumbre. Su trabajo te invita a la reflexión de lo sublime, de lo irreal de la realidad.

Joel Peter Witkin

Este fotografo nace el 13 de Septiembre de 1939 en Brooklyn, Nueva york. Él no es un "cazador de momentos" como lo sería Henri Cartier Bresson. Witkin se dedica a la diegesis (foto construida).

Es uno de los fotografos más reconocidos y a su vez, criticados por la naturaleza de su trabajo.

"...yo debo de haber tenido como cinco años, y sabía cuando me mostraba esas fotografías que él (su padre) me estaba diciendo que él no podía hacerlas, pero que tal vez una parte de él si pudiera hacerlo, por mi conducto. Sin decirlo, yo lo miraba y sabía, que el sabía que yo podía intentarlo." Peter Witkin.

Witkin se crió en el negocio de vidrios de su padre y sus tíos. Un hecho que marcaría su vida y quizás su carrera como fotógrafo, sería que cuando era un niño pequeño, presenció un accidente automovilístico en el cual una niña resultó decapitada. En sus fotografías trabaja mucho con las cabezas. Él no busca la belleza convencional impuesta por la sociedad occidental. Él retrata todo aquello que es rechazado por la mayoría: la rara belleza de lo horrible.

Trabajó en Vietnam como fotógrafo de guerra en 1964; diez años después, estudia escultura y se titula como licenciado en Bellas Artes en la Cooper school of fine arts de Brooklyn.

Sus modelos para las fotografías son personas con deformaciones, mutiladas, enanos, incluso cadáveres.

"Lo que hace que una imagen sea poderosa es que, a diferencia de otros medios como el video o el cine, aquí se trata de la quietud."

"Cuando realmente quieres decirle algo a alguien, lo agarras. Es lo que hace la imagen fija."

Su fotografía más reconocida: "El beso"

Tipos de Objetivos

Encontramos cuatro tipos de objetivos:

Ojo de Pez

Gran Angular

Objetivo Normal                                              

Teleobjetivo

OJO DE PEZ:

Son objetivos con un ángulo visual de 180° o más. Algunos de estos objetivos distorsionan la perspectiva de las líneas de una imagen, haciendo que se curven hacia fuera, transformando la escena en una imagen circular. Algunos de estos objetivos proporcionan una imagen rectangular que cubre el negativo, mientras que otros sólo proyectan un círculo central en el centro de la película

GRAN ANGULAR:

Este tipo de lente genera la sensación de un espacio muy grande. Es un ángulo de visión inferior al ojo de pez pero superior a los normales. De 60°-180°. Sirve mucho para reportajes y para exagerar la perspectiva de los objetos.

NORMAL: Es el campo visual del ojo humano. De término medio entre el Gran angular y el Teleobjetivo.
Va de los 43° a los 56°.

TELEOBJETIVO:  Es menor a los 31°, sirve para acercar distancias bastante largas pero no tiene un gran ángulo de visión. En este caso se sacrifica visión por distancia.

 

Existen cuatro subtipos del teleobjetivo:

Cortos: de 80-135 mm
Normales: 135-240 mm
Superteleobjetivos: 240-500 mm
ultratelefotos- más de 500 mm

Composición

Lo primero que debemos tomar en cuenta al hablar de "composición" es el centro de interés de tu cuadro de diálogo, es decir: ¿De que se trata la foto? Esto debe ser claro para cualquiera con solo mirar la fotografía.

Una de las primeras reglas de la composición es rellenar el encuadre; esto quiere decir: que la mayor parte de nuestro cuadro de díalogo esté ocupado y que todo lo que podamos percibir a travez de este sea precisamente lo que debe estar ahí, no más no menos.

Algo muy importante que debemos tener en mente es la regla de los tercios. Esta regla nos dice que NUNCA hay que ubicar al objeto o sujeto en el centro del cuadro. Debemos dividir nuestra imagen en tres lineas verticales y orizontales; una vez hecho esto, lo mejor sería colocar nuestro foco de atención en una de las vértices de las lineas imaginarias formadas para dividir nuestro encuadre. Así se ilustra en la imagen:

Podemos ver que nuestro punto de interés no se encuentra y no debe encontrarse en el centro.

La regla de los tercios también hace referencia a que tener tres elementos dentro de nuestra fotografía ayuda a nuestra composición:

Sin embargo es muy importante también lograr que los objetos no compitan entre si. Cada uno debe tener su lugar y jugar el rol que le corresponde en el cuadro completo, claro esto dependera de ¿de que se trata la foto?



La linea de lectura es otro concepto importante. Esto es la linea que predomina en tu fotografia y es la manera en la que los objetos estan colocados en el cuadro de díalogo. La distribución correcta es nunca dejar mitades exactas con el juego de lineas. Esto podemos apreciarlo en la regla de entrada, esto es como damos la introducción a algun lugar tomando como punto de inicio alguno de los extremos de nuestra regla de tercios:

Aquí observamos que la linea de entrada de la calle proviene del extremo inferior izquierdo.


El ritmo es un concepto bastante sencillo de comprender, es el resultado de la repetición de lineas, formas, volúmenes, tonos y colores. La repetición de un motivo aumenta la armonía. Jugar con el ritmo le otorga unidad y fluidez a la fotografía. Sin embargo, cuando el ritmo es muy pronunciado, lo mejor es romper ese ritmo con algún objeto discordante.

RITMO

Aquí observamos como se rompe el ritmo.

La textura: esta propiedad en la composición denota realismo en una imagen y una sensación tridimensional. ¿Como saber que se ha logrado este efecto? Cuando la imagen despierta nuestro sentido del tacto.

Un factor decisivo en la textura es la iluminación.

Una luz intensa nos revela una textura que no podríamos obtener por otro método. La textura sirve en fotos de arquitectura o para resaltar los detalles. La mejor hora para esto es de las 12:00 de la tarde a las 4:00 PM.

Forma y volúmen. Esto se refiere a que con un fragmento del sujeto puedes reconocer su totalidad. Significa siluetas, abstraer las formas del objeto principal, convertirlo en sombra. ¿como se obtiene esto?, acercas tu encuadre al objeto de tal manera que aísles las información.

El fondo es un aspecto muy importante a considerar con respecto a la forma. Debemos encontrar un fondo que no distraiga del objeto principal. Incluso podemos recurrir a otra de las normas de la composición para destacar la forma, como por ejemplo al ritmo:

La iluminación es el concepto más importante para la composición fotografica pues despues de todo el fotografo trabaja con la luz. El tiempo de exposición, es decir, la cantidad de luz que llega  la película se controla mediante la abertura y la velocidad. Para lograr una exposición correcta debemos hacer un balance entre la sensibilidad de la película y la luminosidad del sujeto.

La sensibilidad de una película se indica en grados ASA (American Standars Asociation) Una película de 400 ASA tiene una sensibilidad doble que otra de 200. Si la velocidad se duplica, tambien la rapidez. Entre más alta es el ASA, menos fina será la textura.

Tabla de exposición: